Le photographe Bertrand Gadenne a questionné les élèves du Lycée professionnel Camille Claudel de Vitry-sur-Seine sur leur regard artistique au monde tout en jouant avec leur capacité d’évocation autour de la notion de transformation. L’artiste, tel un chef d’orchestre, a traité sous la forme de mises en scène collectives et individuelles cette expérience. Des photographies de grand format restituent cette première résidence Ecritures de Lumière en Val-de-Marne, en partenariat avec la Drac Ile-de-France.

« Écritures de Lumière » est un dispositif qui encourage le développement de pratiques culturelles et artistiques et vise à développer les résidences de photographes en lien avec le milieu scolaire. Ainsi, en partenariat avec la Galerie, les élèves en 1ère Bac Pro Vente et Terminales Bac Pro Métiers de la mode et du vêtement et Bertrand Gadenne se sont attachés à saisir l’image, l’image juste, avec son pouvoir évocateur parfois insaisissable entre rêve et cauchemar où la métamorphose peut prendre des directions incongrues mais aussi universelles.

Bertrand Gadenne, poète de la lumière, interroge les conditions de l’apparition de l’image et de la vie à travers des oeuvres abordant la notion de l’image. Issu du cinéma expérimental, Bertrand Gadenne développe depuis de nombreuses années un travail dans lequel la diapositive projetée, et plus récemment la vidéo, invitent le spectateur à retrouver soit dans un lieu d’exposition, soit au détour d’une rue, un émerveillement depuis longtemps oublié : celui de la matérialisation d’une image projetée dans l’espace. Bertrand Gadenne est né en 1951 à Proverville. Vit à Lille et enseigne à l’École Régionale des Beaux-Arts de Dunkerque.

Galerie Municipale de Vitry
59, avenue Guy-Môquet
94400 Vitry sur Seine

Yasuaki Onishi a étudié la sculpture à l’Université de Tsukuba et de Kyoto. Ses œuvres jouent sur les dimensions plastiques des matériaux, l’équilibre, la légèreté. Réalisées à partir d’air, de lumière ou encore de fils, elles prennent racine dans l’imagerie traditionnelle et l’esthétique japonaise. Sa dernière installation , commande de la Rice University Art Gallery, « Reverse of volume RG » est constituée de filaments de colle noire patiemment tissés comme la toile d’une araignée, à cheval sur des fils de pêche suspendus au plafond de la galerie pour soutenir une montagne inversée en fine feuille plastifiée. L’artiste présente ici son intervention.

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Après Tony Cragg, Wim Delvoye est le deuxième artiste à concevoir une nouvelle sculpture monumentale pour la colonne du belvédère. Une immense flèche gothique en acier Corten torsadée, intitulée Suppo, sera ainsi exposée jusqu’au 3 décembre 2012. Parallèlement, une imposante oeuvre en acier Corten dentelé sera présentée dans le jardin des Tuileries, s’inscrivant à l’automne dans le parcours de sculptures de la Fiac.

Au sein du musée, une quinzaine de productions récentes en vitrail, en porcelaine, en bronze,  témoignant de ses recherches actuelles sur la sculpture du XIXe siècle et de l’exploration des techniques informatiques de reproduction, seront présentées en contrepoint des collections des Objets d’art.

De la relecture triviale du gothique jusqu’aux déformations baroques de crucifix, l’art populaire et décoratif de Wim Delvoye, qui plonge ses racines dans un détournement ironique des styles du passé, trouve dans le musée du Louvre un écho particulièrement sonore. L’artiste était à l’honneur en 2009 à la Collection Peggy Guggenheim à Venise, en 2010 au musée Rodin à Paris et en 2011 au Palais des beaux-arts de Bruxelles. Au fur et à mesure de ces expositions, il érige une flèche de plus en plus haute jusqu’au spectaculaire Suppo, atteignant au Louvre treize mètres de haut.

Commissaire : Marie-Laure Bernadac.

Pyramide du Louvre,
jardin des Tuileries,
département des Objets d’art
Musée du Louvre
75058 Paris

Lucy McRae, artiste australienne déjà présentée sur YOU-ADS dévoile sa démarche à l’occasion d’une session TED. Se définissant comme une architecte du corps, elle imagine comment la biologie et la technologie peuvent se mêler dans nos corps. Elle travaille à la frontière de la mode, de la performance et du body art. Portrait d’une artiste qui s’aventure désormais sur la piste d’un parfum à avaler, lequel transformerait nos fluides corporels en une unique fragrance.

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Travaillant sur les résidus de société et les représentations, l’artiste américain, originaire de Reno (Nevada) exposé à la fin de l’année dernière à la – non des moindres – galerie parisienne Yvon Lambert, livre ses nouvelles œuvres en pâture à l’histoire encore et toujours. Fasciné par les traces, les strates, l’oubli que l’on recouvre, il regroupe sous forme d’inventaires, nos outils, en invente d’autres, dissèque notre corps, l’organise enfin. L’artiste nous provoque, veut nous faire croire à tout, en rien, en simulant des fossiles sociaux et nous orientant sur des fausses pistes artistiques… Nick van Woert habitue son spectateur à des œuvres provocantes et malicieuses; ici c’est la culture de l’exposition qui est en cause, la monstration et ce qui gravite autour.

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Laurent Grasso a conçu son exposition au Jeu de Paume autour de préoccupations qui traversent son travail : brouiller le rapport au temps et à la temporalité, rendre floue l’origine des objets montrés ; créer un dispositif d’exposition qui modifie l’architecture du lieu où elle est présentée ; interroger la perception du spectateur avec des situations qui ont une source documentaire, historique, mythologique mais qui contiennent un potentiel esthétique et fictionnel.

L’artiste appréhende ainsi la réalité par ses limites, convoque ce qui est connu ou familier, et questionne des problématiques très contemporaines.
Explorant les notions d’espace et de temporalité, Laurent Grasso aime l’idée de “créer une fausse mémoire historique”, où dans un siècle, plus encore qu’aujourd’hui, il sera impossible de situer l’époque de création de ses œuvres, produisant ainsi une fausse archéologie du futur. Son travail est un voyage dans le temps qui dépasse définitivement l’actualité.
Pour l’exposition au Jeu de Paume, avec la vidéo, la sculpture, la peinture, le dessin, le dispositif, il s’intéresse à quatre idées : l’observation du ciel, la surveillance, les “fantômes politiques” et la beauté trompeuse.

Laurent Grasso manipule, souvent intentionnellement, l’image en imposant des perspectives uniques et inhabituelles à son sujet. Une perspective en perpétuel changement est au cœur de sa sensibilité esthétique : “L’idée est de construire un point de vue flottant, créant ainsi un décalage avec la réalité. Nous nous déplaçons d’un espace à un autre et c’est également la manière dont nous fabriquons des états de conscience.”

Commissaires : l’artiste, Marie Fraser et Marta Gili

Jeu de Paume
1 place de la Concorde
75008 Paris

« Ce serait une série de rencontres pour que la question de « je » – qui prend la parole ? Qui est au centre de l’histoire ? Qui s’émeut ? Qui capte l’attention ? Qui prend le pouvoir ? – passe, autant que faire se peut, à l’arrière-plan. Pour que le travail, travail des gestes, des images ou des mots, prenne lui-même la parole. Il semble plus que jamais difficile, aujourd’hui où s’exacerbe le règne du fétichisme des marchandises spectaculaires, de faire une histoire de l’art sans noms propres, ou du moins sans que les noms propres n’occupent tout le terrain de la reconnaissance. « Il est plus difficile d’honorer la mémoire des sans-noms (Namenlosen) que celle des gens reconnus [passage biffé par Benjamin : fêtés, les poètes et les penseurs ne faisant pas exception]. À la mémoire des sans-noms est dédiée la construction historique », (…) explique Georges Didi-Huberman à Jean-Pierre Criqui qui aborde ici la question du Hors-Je.

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Ciprian Muresan travaille à partir d’oeuvres artistiques et littéraires qu’il s’approprie et inscrit dans une réflexion transversale sur l’histoire récente de la Roumanie et des pays de l’Est, et plus généralement sur les réalités du monde contemporain. Ses œuvres (vidéos, dessins ou installations) reprennent et détournent des œuvres iconiques de l’art moderne et contemporain, qu’il contextualise et sur lesquelles il porte un regard parfois ironique et désenchanté. Faisant aussi référence à la littérature, Muresan analyse les structures du pouvoir, le conditionnement des idéologies – politiques, religieuses ou économiques. Dans des œuvres souvent grinçantes, il évoque les réalités de la Roumanie d’aujourd’hui : le rapport ambivalent à l’histoire récente, les changements politiques et d’idéologie (notamment la fin du communisme), la fascination des pays de l’Ouest et la perte des traditions locales. Mais si la situation des pays de l’Est est un point de départ, elle s’inscrit dans une réflexion plus globale sur le monde contemporain, marqué par la fin des utopies et dominé par le divertissement – une culture globalisée et consensuelle. La référence aux formes du divertissement permet à l’artiste de porter un regard décalé ; l’humour et le jeu sont utilisés comme véhicule des idées. Sur ce terrain de jeu “recyclé“, la figure de l’enfant occupe une place de choix ; petite “éponge“ conditionnée par les idéologies ambiantes, il est le symptômes de sociétés, au cœur de la construction de l’identité et de l’uniformisation de la pensée. Qu’elles abordent des questions directement politiques ou historiques, ou empruntant des chemins plus poétiques, humoristiques ou évocateurs, les œuvres de Ciprian Muresan proposent une réflexion sur les différentes réalités du monde contemporain.

Les œuvres exposées dont la plupart sont présentées ici pour la première fois suivent et reconfigurent les thèmes centraux de son travail ; la condition de l’enfance, le rapport avec l’histoire de l’art, le paradoxe des expériences humaines. Les cartes militaires sont aujourd’hui de simples objets d’archives, ayant surtout une signification esthétique. Dans La Carte (2012) Mureşan prend comme point de départ une carte militaire de l’empire Austo-Hongrois, en demandant à des enfants de 4 à 13 ans de copier chacun une partie, sans connaître l’ensemble. Démembré, le résultat devient une abstraction: tirets, bâtons, ligne ponctuée, chiffres, des éléments utilisés à l’école mais qui, ajoutés les uns aux autres, restitués en tant qu’ensemble, peuvent devenir une arme, tout comme les soldats manipulés par les officiers n’avaient pas besoin de connaître ou de maîtriser quelque “art de la guerre” pour être létales.

I’m too sad to tell you de 1971 réalisé par Bas Jan Ader représente, pour l’artiste
roumain, une oeuvre située quelque part à la limite entre le sublime et le pathétique.
Sa réponse à cette oeuvre est Le portrait de Bas Jan Ader, une série de dessin (78)
mis en animation vidéo dans un geste artistique emotionnel et cérebral, surprenant et
ironique.

Dans Praxis of Starvation (2012) se succèdent dans cette vidéo diverses expériences
de la privation de nourriture. Si les motivations – quelques-unes volontaires, les autres
involontaires – sont bien différentes, ce que l’on découvre une fois que la galerie de
personnages captée par Ciprian Mureşan commence sa succession aléatoire
représente une sensation plus qu’une idée.

Une oeuvre plus ancienne, Untitled (La porte et la main), de 2005, est, peut-être, le
plus poétique de tous ses travaux. Quel est le rapport entre l’image d’une porte et la
photo d’une main? Difficile à dire. Le même rapport, peut-être, que celui entre une
historiette moralisante et un épisode de famille accidentel, ou entre un trou de clou
et une cicatrice.

Galerie Hussenot
5 bis rue des Haudriettes
75003 Paris

Dans les premières oeuvres de Natacha Lesueur, artiste issue du courant de l’art corporel, diplômée de la Villa Arson, le corps était directement utilisé par l’artiste, presque violenté. Par des jeux d’empreintes éphémères laissées par des collants résilles trop serrés sur un mollet, des coups de soleil aux formes d’un pochoir d’alphabet ophtalmologique. Viennent ensuite les expériences culinaires que Natacha Lesueur élabore avec minutie : des cheveux devenus spaghettis, un chignon de crevettes et brocolis… Le corps en désaccord, la corps d’abord, le corps encore, Natacha Lesueur se livre le temps d’une interview.

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